La ruina no siempre es el vestigio de una pérdida; a veces es el principio de una revelación.
Desde el 25 de septiembre de 2026 hasta el 24 de enero de 2027, el Palazzo Strozzi de Florencia acoge «Broken. Il potere del frammento», una ambiciosa exposición organizada junto a la National Gallery of Art de Washington que redefine nuestra mirada hacia el arte mutilado, roto y resignificado.
Hay un magnetismo irrestible en lo que está incompleto. Cuando paseamos por los salones de un palacio renacentista o nos detenemos ante una vitrina museística, la mirada rara vez se posa con tanta intensidad sobre la perfección simétrica como lo hace sobre un rostro mutilado, un torso sin brazos o una mano desgajada del bronce. Nos atrae la grieta porque en ella habita el misterio.
Esta premisa es el alma de «Broken. Il potere del frammento», la gran apuesta cultural de la temporada en Toscana. Bajo la dirección de C.D. Dickerson III, Andrew Sears y Arturo Galansino, la Fondazione Palazzo Strozzi transforma el icónico patio e interiores del palacio florentino en un escenario de diálogo atemporal entre la arqueología antigua y las vanguardias contemporáneas.
De las arenas del Nilo al mármol del Renacimiento
Con más de 80 obras maestras procedentes de instituciones como el Musée du Louvre, el Metropolitan Museum de Nueva York, el British Museum o el Museo Nacional de Antropología de México, el recorrido abarca más de cuatro milenios de creación humana.
El itinerario arranca con una carga emotiva excepcional: los restos del Monumento funebre a Margherita di Brabante de Giovanni Pisano. A partir de ahí, el espectador inicia un viaje donde los fragmentos dejan de ser vistos como meras ruinas para consolidarse como objetos autónomos de poder y belleza. Entre las piezas más magnéticas destaca el sensual fragmento en caliza de la Nariz y labios de Akhenatón (circa 1353-1336 a.C.), cuya precisa anatomía adquiere una intimidad casi erótica al ser observada en aislamiento.
El arte clásico y las culturas premodernas —desde la enigmática Donna scarificata huasteca de Tamtoc hasta el monumental Torso de Livorno— demuestran que la integridad corporal en el arte es una condición transitoria, mientras que la fragmentación es imperecedera.
Iconoclastia, guerras y la geografía del trauma
El fragmento es también un testigo político. La muestra explora las cicatrices de la humanidad a través de esculturas amputadas por la furia ideológica, la devoción o el conflicto. Es el caso del célebre Piede sinistro de la estatua ecuestre de Luis XIV, derribada en París durante la Revolución francesa en 1792, o el busto de Mussolini perforado por las balas de los partisanos tras la Liberación.
Las huellas de las fuerzas naturales y los desastres bélicos quedan patentes en los moldes de gesso de Antonio Canova, golpeados por la artillería en la Primera Guerra Mundial, o en el Cristo portacroce del Museo di San Marco, que aún conserva la impronta del agua y el barro tras la trágica riada de Florencia de 1966.
Del «non finito» michelangelesco a las valijas de Danh Vo
A partir de Miguel Ángel, el fragmento deja de ser un accidente histórico para convertirse en una deliberada elección estética. El genial maestro florentino comprendió en el Torso del Belvedere la energía reprimida que habita en un cuerpo incompleto, una lección que inmortalizó en su célebre concepto del non finito, representado en la muestra por un Bozzetto de nudo femenino en terracotta.
Tres siglos más tarde, Auguste Rodin convertiría la «figura parcial» en el núcleo de la modernidad con L’Homme qui marche, donde la mutilación no restringe el movimiento, sino que lo intensifica.
Esta genealogía de la ruptura alcanza su punto álgido en la creación contemporánea. Artistas como Louise Bourgeois, Alina Szapocznikow, Francesco Vezzoli, Paul Pfeiffer o Danh Vo utilizan el cuerpo fragmentado para hablar sobre el duelo, la identidad queer, la memoria colonial y el consumo mediático. Destaca la serie meat cables de Danh Vo, donde el artista descuartiza esculturas renacentistas y romanas para empaquetarlas en maletas Rimowa, una metáfora punzante sobre el tráfico de arte, la riqueza global y la experiencia del desplazamiento forzado.
Como prólogo a la experiencia, el artista Mark Manders transforma el Cortile de Palazzo Strozzi con la instalación Silent Studio (Reduced to 88%), un estudio al aire libre dominado por la perturbadora y poética Tilted Head, que invita al paseante a cuestionar la frontera entre el proceso y la obra terminada.
La deconstrucción de la celebridad: El hito pop de Paul Pfeiffer
El broche de oro de la exposición aguarda en la última sala, donde el artista estadounidense Paul Pfeiffer lleva el concepto del fragmento hacia el territorio de la cultura de masas contemporánea y el culto a la celebridad. A través de una impactante instalación de esculturas en madera de cedro talladas en policromía hiperrealista —al más puro estilo de la imaginería devocional del barroco español—, Pfeiffer presenta extremidades, torsos y cabezas desmembradas del icono del pop global Justin Bieber (Justin Bieber Head (Seville)).
La fragmentación del cuerpo de la celebridad funciona aquí como un sobrecogedor espejo de la idolatría moderna, cuestionando cómo los medios de comunicación y la industria del espectáculo descuartizan, mercantilizan y devoran la imagen del individuo hasta convertirla en una reliquia secular. Un choque intencionado entre lo sagrado y lo profano que demuestra que la mutilación estética sigue siendo una herramienta crucial para diseccionar nuestro presente.
Un manifiesto para abrazar nuestras propias grietas
En un mundo obsesionado con la perfección simétrica y la inmediatez digital, «Broken» nos propone un ejercicio de pausa y reflexión filosófica. Visitar esta exposición en el corazón de Florencia es entender que las fracturas no anulan la belleza, sino que la dotan de historia, resiliencia y una nueva narrativa.
El fragmento nos exige un acto poético: poner de nuestra parte la imaginación para completar la historia. Como bien escribió la pensadora Marguerite Yourcenar, hay obras donde del propio rudimento nace una pieza nueva, perfecta en su mismísima segmentación. Florencia nos recuerda este otoño que estar roto no es el final, sino una forma sublimada de permanecer.
Foto by Photo Ela Bialkowska, OKNO Studio.
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